10 Japanske Samtidskunstnere Som Er Revolusjonerende Kunst
Sachiko Kodama
Sachiko Kodama (f. 1970) broer kunst og vitenskap for å skape arbeider som uttrykker de uendelige mulighetene for naturen og potensialet for vitenskapelig forskning. Hun er best kjent for sine arbeider laget med bruk av ferrofluid, en mørk kolloidal suspensjon av magnetiske nanopartikler dispergert i oppløsning som forblir sterkt magnetisk i væsken. Kodama bygger spesielle "miljøer" eller installasjoner som manipulerer magnetiske bølger for å konstruere komplekse tredimensjonale ferrofluide former. Kodama trekker seg fra menneskehetens ønske om å modifisere fysiske materialer og gjøre dem mer fleksible - en manipulering av naturen i sin reneste form. Gjennom hennes kunstverk, i motsetning til andre kunstnere som skaper illusjonen i bilder eller bevegelige bilder, skaper Kodama "objekter" som forvandles når hun designer. Protrude / Flow (2001) er en interaktiv installasjon som uttrykker dynamikken av flytende bevegelse av et fysisk materiale, dynamikken i organiske, vilde former og væskebevegelser ved hjelp av digital datamaskinstyring.
Sachiko Kodama, Morpho Towers: Two Standing Spirals, 2013 | © Digitalarti / Flickr
Tetsutoshi Tabata
Tetsutoshi Tabata er en visuell installasjonskunstner, som er dypt involvert i danseprestasjon og projisert scenografi. I 1994 co-grunnla 66b / celle, en kollektiv bruker sanntid og forhåndsinnspilt datagrafikk og animasjon for å skape forskjellige teksturer, belysning og kinetiske effekter. For tiden utvikler han et originalt flertallprojeksjonssystem. Et arbeid han utviklet med sin kollektive, Living Lens (Kobe Biennale, 'Art in Container', 2009) - motivert av begrepet 'poetisk feltplass' - ble oppfattet som en hage / habitat med en organisk tidssyklus og omfattet projiserte bilder, lyder og organer av seere. Det skapt miljøet integrerte en avansert visuell teknologi kalt 'Saccade-basert skjerm', som bruker skannefunksjonen til menneskelige øyebevegelser-saccades-å oppleve bildearrayer via et LED-displaysystem. Visuene i prosjektene avledet av bilder av australske plante-, dyr- og landskapsteksturer, mens interiørinstallasjonen i fraktbeholderen ble inspirert av elementer av tradisjonell japansk hagedesign.
66b / celle, Living Lens. Visuals: Tetsutoshi Tabata. Danser: Hirotsugu Saegusa | Daisy Manabe er en komponist, dataprogrammerer, designer, DJ og VJ som skaper innovative prosjekter innen kunst og teknologi. Hans "forestillinger" undersøker hvordan kroppene våre samhandler med teknologiske fremskritt og foreslår mulige hybrider - både eksisterende og ennå å komme - mellom menneske og maskin. I sine verk har han eksperimentert med myoelektriske sensorer for å forvandle folks ansikter til trommemaskiner, ved hjelp av trenere som lydmiksere og montering av lysdioder til tennene. I et prosjekt visualiserte han FaltyDLs musikk ved hjelp av ruskede, elektrifiserte bevegelser av menneskekroppen. På Sónar 2014 presenterte Manabe et nytt interaktivt show som kombinerte video kartlegging og moderne dans. Han bruker sine ferdigheter i musikk og programmering for å skape scenarier som forandrer oppfatningen av hvordan våre egne kropper samhandler med teknologier. For eksempel styrer han i løpet av sine forestillinger musikk - som en DJ med elektriske impulser fra ansiktsmuskulaturene, og han har selv montert Nikes med sensorer som utløser og manipulerer lyd.
Daito Manabe, forestilling i Sónar, Barcelona, 2014. Foto: Toni Rosado | © Scanner FM / Flickr
Ryota Kuwakubo
Multimediakunstner Ryota Kuwakubo (f. 1971) designer og bygger egne elektroniske enheter, som vises som lavteknologiske gadgets, som
Bitman
(1998) , en filmvisningsenhet som bruker piksler laget i samarbeid med kollektive Maywa Denki. Kuwakubo arbeider med ulike medier, som vanligvis involverer digitale eller elektroniske elementer, og undersøker temaer som senterer forholdet mellom kontrastfaktorer - analog og digital, menneske og maskin, avsender og mottaker av informasjon, blant annet. Hans arbeid engasjerer med seerne, noe som gjør dem nødvendige deltakere i sluttresultatet. I 2011 skapte Kuwakubo Det tiende sentimentet , en installasjon som benyttet hverdagens husholdninger, arrangert på gulvet i et tomt rom. Et elektrisk modelltog utstyrt med et LED-lys manøvrert langs et sett med spor som var slik at lyset ville skinne på gjenstandene og kaste store skygger på veggen. Disse skyggene tok form av å flytte folk, bybilder, tunneler og en rekke andre, noe som skaper en innslukkende installasjon for folk som beveger seg rundt i rommet. Ryota Kuwakubo, Lost # 2, Ars Electronica 2011. Foto: Florian Voggeneder | © Ars Electronica / Flickr Koki Tanaka
Koki Tanaka observerer hverdagen og dens små, likegyldige detaljer - og forvandler den til magiske og fantastiske hendelser, arrangert med en unik sans for humor og en skarp analyse som avslører merkelig og uhyggelig i vår eksistens. Kjernen i hans praksis ligger i en samarbeidsmessig tilnærming som involverer en følelse av fellesskap, og understreker betydningen av deltakelse i prosesser av kreativitet og fantasi. Hans videoer tar opp enkle bevegelser, og gir dem fornyet intensitet og mening, som i
Blåsemelprosessen
(2010). Hans åtte-kanals videoinstallasjon Everything Is Everything (2006) ser kunstneren og hans assistenter sammen med en rekke dagligdags gjenstander, til poenget med å teste og utvide deres fysiske egenskaper, slik at de får en ny betydning eller funksjon. I andre arbeider blir den utførende handlingen utvidet til en større gruppe mennesker - annet enn seg selv - i sitt første samarbeidsprosjekt. En frisør av 9 frisører på en gang (andre forsøk) (2010) i en frisørsalong i San Francisco eller i sin serie Serier som S vinger en lommelykt mens vi går om natten ; Snakker om navnet ditt mens du spiser nødmat ; Deling drømmer med andre og gjør deretter en kollektiv historie. Koki Tanaka, Precarious oppgaver # 4 deler drømmer med andre, og deretter lager en kollektiv historie, 2013 | © Kunstnerens rettferdighet, Creative Creator, Guangzhou og Aoyama Meguro, Tokyo Tokujin Yoshioka Prisbelønte kunstner og designer Tokujin Yoshioka skaper utrolige installasjoner som ser ut til å utvide rommet til uendelig og omfavne følelser av fred og ro. Hans natur-inspirerte futuristiske miljøer brer kunst, design, vitenskap og teknologi, for å gi ekstreme sensoriske opplevelser. I 2010 skapte han et arbeid med tittelen
Snø
- en 15 meter bred installasjon som etterligner snø, ikke bare visuelt, men også i bevegelse og taktilitet ved Mori kunstmuseums
Sensing Nature utstilling . Snøen, representert av hundrevis av kilo fjær, ble blåst rundt i et gigantisk akvariumlignende glasshus. Yoshiokos solo-show Crystallize på MOT (Museum of Contemporary Art Tokyo) i 2014, presenterte en serie med arbeid inspirert av de selvfrembringende, selvorganiserende prosessene som finnes i naturlige fenomener. Svanesjøen var maleri tegnet av musikkens vibrasjon, mens Rose var skulpturen av en krystallisert blomst. Installasjonen Rainbow Church ble bygd av krystallprismer og skapte en magisk omringning av fargerike brytingslys og illusjoner. Taro Shinoda Med utdanning i landskapsarbeid og hagebruk, tverrfaglig artist Taro Shinoda (b 1964) skaper arbeid som stammer fra hans lidenskap for naturen og hans interesse for å forstå universet - inkludert kosmisk rom - som en natur i evolusjonsprosessen, der naturen eksisterer sammen med menneskelige aktiviteter. Shinoda utforsker temaer av lyst, meditasjon og tilpasning, og han drar ut fra sin omfattende og varierte kunnskap om naturvitenskap, engineering, arkitektur og landskapsarbeid. Hans skulpturer og installasjoner har høyteknologiske håndbyggede komponenter, i tillegg til elementer i den tradisjonelle japanske hagen - et gjentakende tema i hans oeuvre. For hans filmarbeid Lunar Reflection Transmission Technique
(2007) var Shinoda inspirert av barndommens minner om å prøve å kommunisere med sin mor over store avstander. Han bygget et astronomisk teleskop ut av bølgepapp med et vedlagt videokamera og filmet månen fra forskjellige verdensomspennende steder, inkludert Istanbul, Boston og Tokyo.
Taro Shinoda, Model of Oblivion, Mori Art Museum 2010 | © Tomo Nosi / Flickr Tatsuo Miyajima Skulptør og installasjonsartist Tatsuo Miyajima lager høyt teknologisk arbeid som benytter materialer som elektriske kretser, video og datamaskiner, sentrering rundt bruk av digitale lysdioder (LED) eller "gadgets" - siden slutten av 1980-tallet. Miyajimas kjerne kunstneriske konsepter - 'Keep Changing', 'Connect with All' og 'Goes for Forever' - eksisterer ved siden av og trekker inspirasjon fra humanistiske ideer og buddhismenes lære. Hans arbeid er informert av interesse for ideer om kontinuitet, sammenheng, evighet og tid og romflom. I tillegg til å skape hypnotiserende arbeider med flimrende lys og tallteller som teller fra 1 til 9 ad infinitum, bygger Miyajima også nedslående installasjoner, for eksempel hans
livsrom (te rom)
, 2013. Et kammer, dekket med rødt skinn på utsiden, vert for en besøkende om gangen i en cavernøs konstellasjon av flimrende digitale tall og blå lys. Miljøet skapt i arbeidet oppmuntrer til kontemplasjon og isolasjonsfilosofiske aspekter som i dagens frenetiske storbyliv sjelden oppnås.
Mariko Mori Den minimalistiske og futuristiske visjonen til Mariko Mori uttrykker seg i verk i et mangfoldig utvalg av medier, inkludert video, fotografering, nytt media og installasjon. Hennes oeuvre oppfordrer til en refleksjon over vårt forhold til teknologi og potensialene i samspillet med det. Et underliggende, tilbakevendende tema i hennes arbeid er også sammenstillingen mellom østlig mytologi og vestlig kultur. Mori utforsker grensen mellom virkeligheten og utopien, og gir en syntese av motsetninger som virkelighet og fantasi, alvor og humor, menneske og maskin, teknologi og natur, vitenskap og religion. I sin anerkjente Wave UFO
(1 -2002), som også var en del av Venezia Biennalen i 2005, er en futuristisk, skipsliknende, interaktiv installasjon som tar form av en teardrop. Tre besøkende om gangen går inn i rommet for å oppleve et tre minutters datorgenerert lysshow basert på projeksjoner av egne hjernebølger, etterfulgt av en tre minutters grafisk animasjonssekvens av Mori.
Riyoji Ikeda Nye medier og lydkunstneren Ryoji Ikeda skaper utrolige installasjoner som engasjerer seg med lyd i en rekke "rase" states-sinustoner og støy, ofte ved bruk av frekvenser i kanten av det menneskelige høreområdet. De datamaskingenererte lydene forvandles visuelt til videoprojeksjoner og digitale mønstre. Ikeda installasjoner, gjennom bruk av skala, lys, skygge, volum, skygge, elektroniske lyder og rytme, gir en syntetisk opplevelse. For sin berømte Testmønster [no.5]
bruker han fem projektorer for å belyse en 28 meter lang 8 meter bred gulv med strekkode og binær mønster av nuller, og de konverteres fra data, inkludert tekst, lyder, bilder og filmer. Ikeda skaper også en gang forestillinger, som hans
datamatikk [ver.2.0] audiovisuelle konsert. Han undersøker og bruker matematiske og vitenskapelige metoder for å forme musikk, tid og rom. Gjennom sitt arbeid kan Ikeda avsløre kompleksiteten i menneskelig oppfatning ved å manipulere og transformere de fysiske egenskapene til lyd og visjon gjennom digital teknologi. Ryoji Ikeda, testmønster [no.5], 2013, audiovisuell installasjon hos Carriageworks . Kommisjonert og presentert av Carriageworks og ISEA2013 i samarbeid med Vivid Sydney. Bilde Zan Wimberley | © Carriageworks / WikiCommons
