De 10 Unmissable Works Å Se På Tate Britain
Ophelia - Sir John Everett Millais, 1851-2
Millais 'spøkende skildring av denne døde Shakespeare-heroinen er intet mindre enn ikonisk. Det fanger øyeblikket fra Hamlet da Ophelia, drevet av det faktum at hennes elsker har drept sin far, drukner seg i en bekk. Hun er omgitt av en serie symbolske blomster, med fioler som indikerer kyskhet, valmueredød og vilje, nes og tusenfryd uskyld. Som medlem av Pre-Raphaelite Brotherhood var Millais dedikert til å observere den naturlige skjønnheten i verden rundt oss, men også i skue av vakre kvinner. Elizabeth Siddal (som senere giftet seg med Rossetti) modellerte for maleriet. Hun var pålagt å stille seg over en periode på fire måneder, liggende i et bad med vann. Opplevelsen førte til at hun fikk en så alvorlig forkjøling at hennes far truet med å saksøke, med mindre kunstneren betalte medisinske regninger.
Sir John Everett Millais, Ophelia, 1851-2 | Hilsen Tate
Draped Seated Woman - Henry Moore, 1957-8
Med sin vakre draperi, husker denne skulpturen den antikke antikken, samtidig som den håndhever Moores spesifikke streng av modernisme. Det er en av flere kaster som har en figur med forvrengte proporsjoner, med et altfor bredt torso og blokklignende hode. Den uvanlige, frosne pose var en øvelse i formalisme, og har mer enn en nikk til Elgin Marbles. Begge deler en følelse av livslig bevegelse, som om de har blitt frosset i tide.
Henry Moore, Draped Seated Woman, 1957-8. Utlånt fra en privat samling 1989. På lang sikt lån til Tate | © Henry Moore Foundation. Alle rettigheter reservert. Private Collection
Chair - Allen Jones, 1969
Den britiske popartistens kontroversielle "møbelserie" har forårsaket opprør mot sin fetishisering av kvinnekroppen, siden de tre stykkene først ble utstilt i 1970. Sammen med Stol, kunstneren produserte et bord og en lue stativ, som presenterer fullstendige, busty mannequins i tilsvarende erotiske poser. Den tidligere er blitt den mest beryktede på grunn av det faktum at den ble vandalisert med maling stripper under Tates 1986 utstilling Forty Years of Modern Art . Skulpturen har fortsatt muligheten til å sjokkere i dag, med noen som hevder at den symboliserer kvinners undertrykkelse, mens andre ser det som et viktig objekt i kanon av kunsthistorie.
Allen Jones, Chair, 1969 | Tate © Allen Jones
The Pond - LS Lowry, 1950
Navnet LS Lowry er synonymt med industrielle britiske scener befolket med sine karakteristiske "matchstick men". Selv om hans malerier var forankret i realisme, og som skildrede livet til vanlige samfunn i urbane nordlige byer som dominert av fabrikker, foretrukket han faktisk å jobbe rett på et tomt lerret, bygningsmotiver mens han gikk. Kunstneren beskrev dette arbeidet: «Jeg hadde ikke den minste ideen om hva jeg skulle sette i lerretet da jeg startet bildet, men det kom til slutt ut som du ser det. Dette er slik jeg liker å jobbe best. "
L S Lowry, The Pond, 1950 | Tate © The Estate of LS Lowry
Håper - George Frederic Watts, 1886
Til tross for sin optimistiske tittel, er dette maleriet riddled med tvetydighet. Den blindfoldede figuren virker forløpt eller utmattet, og holder en lyre som har hatt alt annet enn en av sine strenger snappet. Watts var kjent for å skape fantasmagoriske verker som transcenderte en bestemt tid eller sted, og her ser denne isolerte kvinnen seg på toppen av en skillebar verden. Det er en av to allegoriske stykker skapt av kunstneren og hans assistent, men denne andre versjonen ble ansett overlegen på grunn av det fantastiske uttrykket på kvinnens ansikt, samt fjerning av en liten stjerne, som gjorde arbeidets symbolikk for tungt, hendt.
George Frederic Watts, Hope, 1886 | Tate. Presentert av George Frederic Watts 1897
Sittende Figur - Francis Bacon, 1961
I tillegg til å eksponere de mørkeste ekkolonene i sinnet, var Bacon også interessert i bildeområdene. Som sådan jobbet han ofte med en rammeinnretning som ikke bare isolerer emnet, men inviterer også seeren til å se bortom figurens rike. Ansiktsfunksjonene i denne vridne, anonyme modellen er tungt overmalt, noe som fører til et mangesidig ansikt. Denne behandlingen ble et varemerke for kunstneren i denne perioden og refererer til menneskets skrøbelige skrøbelighet.
Francis Bacon, Seated Figure, 1961. Tate, Presentert av J. Sainsbury Ltd 1961 | © Estate of Francis Bacon
Engelen som står i solen - JMW Turner, 1846
Når Turner gikk inn i de siste årene av sitt liv, ble han opptatt av begrepene om døden, så vel som bibelske historier om rettferdig gjengjeldelse. Dette maleriet kombinerer hans strålende mestre av lys og farge, som hadde blitt en årsak til mye kontrovers i kritikernes øyne. Mange andre kongelige akademikere anså sin nye væske ruwe eller vulgære, men Turner var viet til denne nye måten å se verden på. I dette arbeidet bærer akeengelen Michael sitt sverd, klar til å slå synderne under. Den nydelige, hvirvlende himmelen ser ut til å være i brann, og Turner bruker den letteste berøringen av børsten hans for å henvise til de skremmende menneskene som forsøker å flykte fra det uunngåelige kaoset.
JMW Turner, The Angel Standing in the Sun, utstilte 1846 | Courtesy Tate
En storere splash - David Hockney, 1967
Da Hockney først ankom i California et år etter at han ble uteksaminert fra Royal College of Art, var han overrasket over å oppdage at alle hadde et svømmebasseng - et oppsiktsvekkende konsept for en ung mann pleide å kjølig, strenge liv i Storbritannia. Bassengene ble raskt et gjentakende tema for kunstneren, da han var fascinert med å prøve å representere vann. Dette maleriet er det største av tre "splash" -verk, som alle skildrer 1960-tallets arkitektur kombinert med dramatiske, dristige farger. Arbeidet vises for tiden på Pompidou i Paris, og vil også besøke Metropolitan Museum of Art før han kommer hjem.
Redning av Andromeda - Henry C Fehr, 1893
Denne dramatiske skulpturen skildrer den greske legen på øyeblikk når Perseus redder Andromeda fra å bli fortært av et sjømonster. Han har den avskårne hodet til Medusa, som har makt til å slå enhver skapning til å stenge med blikket hennes, samt en stor dolk. Den uvanlige sammensetningen balanserer hver av de tre figurene oppå hverandre, med dårlig Andromeda festet til en stein under kampen. På grunn av størrelsen på skulpturen ble den flyttet permanent utenfor i 1911, mye til kunstnerens forferdelse.
'Redning av Andromeda', 1893, Henry C Fehr | Presentert av Trustees of the Chantrey Bequest 1894
No Woman, No Cry - Chris Ofili, 1998
Dette enorme maleriet er en hyllest til moren til Stephen Lawrence, som ble drept i et rasistisk angrep i 1993; den vant Turnerprisen fem år senere. Doreen Lawrence's gråtende profil er satt opp mot et collaged bakteppe laget av cut-up reproduksjoner av et Bridget Riley-maleri, og hver av hennes store tårer inneholder et bilde av sønnen hennes. Lerret er støttet på to store biter av elefantmal, et materiale som Ofili brukte mye i sine tidlige arbeider. I tillegg til å huske en bestemt, forferdelig hendelse, refererer stykket også til universell sorg.
Chris Ofili, No Woman, No Cry 1998 | Foto: Tate. © Chris Ofili
