De 10 Beste Australske Fotografene Du Bør Vite
Justine Khamara (f. 1971) undersøker og utfordrer grensen til fotografiske medium, re-tolke fotografisk portrett og stille spørsmål om samtidens forestillinger om å være. Hennes tredimensjonale skulpturelle og collageverk gir en manipulasjon av virkeligheten som engasjerer seg med forestillinger om selvrepresentasjon i en tid med umiddelbar, uendelig generativ (gjen) produksjonsteknologi. Hennes oeuvre benytter tynt skårte fotografier og bilder av et enkelt emne fanget fra flere vinkler.
Erysicthon's Ball (2010) ble inspirert av den greske myten om Erysicthon, konge i Thessaly, for å stille spørsmål til forfengelighet av moderne samfunn, tydelig i den utbredte, selvabsorberte aktiviteten til å ta flere bilder av seg selv og sende dem gjennom ulike sosiale medier, og dermed forsøke å kontrollere personlig representasjon og videreføre fenomenene forfengelighet. I mange av hennes arbeider bruker Khamara bilder av seg selv og hennes familie eller venner, noe som gjør at hun kan jobbe intimt med sine portrettfag. I Watch me gå gjennom disse tynne laken (2011), er et stoffark trykt med bilder av seg selv og hennes mor kombinert med et speil for å trekke oppmerksomheten på at enkeltpersoner opplever flere aspekter av seg selv. Justine Khamara, orbital spin-trick, 2013, UV-utskrift, laserskåret kryssfiner, 50 x 50 x 50 cm. Fotograf: John Brash | Billettsamfunnet billedkunstneren
Bill Henson
Bill Henson (f. 1955) benytter seg av en spesiell tid for twilight-å ta bilder av landskap og ungdoms ungdom som skaper en slags "moderne mytologi". Lysforholdene for skumring og teknikker for undereksponering og utskriftsjusteringer tillater Henson å oppnå kontraster av skygge og lys-chiaroscuro-som ligner på flamske mesteres stilllivsmalerier. Hans oeuvre fremkaller en atmosfære av transcendens og overnaturlige hendelser, og utforsker det gjentatte temaet dualitet. Hans fag er portrettert i mørket og svakt lys, aldri ser direkte på linsen, delvis skjult for å skape en aura av mysterium og bacchanalian eksistens. Hensons maleriske, iscensatte tableaux fortsetter tradisjonen med 1 . århundre. Romantisk litteratur og kunst og begrepet Sublime, hvor naturens storhet fremkaller motstridende følelser av forbauselse, terror og ærefrykt. Slør linjene mellom virkeligheten og det ubevisste, transporterer Henson seeren inn i en parallell dimensjon som skjuler seg bak tykke mørkeveier og rikelig ladet med referanser til vår fortid. For kunstneren er landskapet sterke elementer i våre minner, og hans interesse for å fange dem i
memento mori bilder som har muligheten til å transportere seeren til en tidløs verden. Bill Henson, Untitled 1 / 2000, CB / JPC SH97 N11, arkiv inkjetpigmentutskrift, 180 x 127 cm | Hilsen kunstneren og Tolarno Galleries, Melbourne Tracey Moffatt Filmmaker, videoartist og fotograf Tracey Moffatt (f. 1960) skaper tankevekkende verk som utforsker problemer som rase, barndomstrauma og media, så vel som Aboriginal subjugation, mors dominans, kjønns stereotyper og klassedeling. Works produsert på 1980-tallet inkluderer
Some Lads
(1986), en rekke svart-hvite fotografier som hun viste sammen med fargebildet
The Movie Star (1985). I Skuffet drømmer (1989) presenterte Moffatt en rik, fragmentert fortelling med suggestive bilder av vold, glamour og skuffede drømmer. Hennes interesse for maktforhold er tydelig i Scarred for Life (1994), et sett med litografier som sidestiller fotografier og tekst, etterligner layout og format på gamle, falmede Life magasin sider. Serien skildrer barndommen og ungdommen som ganger mettet med vold, forsømmelse og psykologisk uro. I 1998 eksperimenterte Moffatt med et nytt medium, som skapte Laudanum , en serie med fotogravures - eller fotogravurer - som fokuserte på forholdet mellom en kvinne og sin aboriginal tjener. Hennes siste arbeid, "Spirit Landscapes" (2013), utstillet på QAGOMA i 2015, består av fem nye fotografiske serier og en film, som utforsker åndelighet, minne i landskapet og det overnaturlige, og tilbyr en meditasjon om betydningen av land og Legg gjennom personlige og universelle historier. Tracey Moffatt, Adventure Series 6, 2004, fargeutskrift på Fujiflex papir, 132 × 114 cm, utgave av 25 | Hilsen til kunstneren og Roslyn Oxley9 Gallery, Sydney Patrick Pound I midten av Patrick Pounds (f. 1962) praksis er interessen for innsamlingsbegrepet og arkivet, som gjør at han kan lage en slags 'kartlegging av menneskelig kultur'. Holder utsikt over verden som tilsvarer det til et puslespill, forsøker kunstneren å koble sammen brikkene en etter en ved å akkumulere, kategorisere og klassifisere funnet fotografier og ephemera nøye. Punds praksis tar sikte på å nå en uoppnåelig forståelse gjennom uendelig samling. Hans collager og samlinger av funnet bilder og kasserte gjenstander er ikke tilfeldige, men de fungerer som definisjoner i en ordbok eller som kompilert og konstruert bevis. Pound 'definerer' abstrakte forestillinger som er fanget på film, men overses av de vanlige observatør-materialiserende portrettene til det immaterielle. For eksempel, Portrait of the Wind (2013) består av en stor samling av funnet portretter av mennesker "som skjedde for å være i vinden", mens Crime Scene-serien (2013) inneholder fotografier der fagene ser ut til å være avdøde-i sannhet , var de fleste sovende.
Fotografens skygge
er en serie fotografier hvor fotografens skygge fanges på film, mens
Den manglende pund har slettet folk fra postkort og bilder som bruker Photoshop. Liu Xiaoxian Flyttet fra Liu Xiaoxian (1963, Beijing) til Australia i 1990, etter himmelske hendelsen. Hans kinesiske bakgrunn og hans livserfaring som en "adoptert" australsk spiller en viktig rolle i sin kunstneriske praksis, som undersøker forskjellene så vel som fellesforholdene mellom øst og vest på spørsmål som kultur, tradisjon, politikk, religion, identitet og kjønn . Gjennom fotografering og skulptur analyserer Liu ikoniske eller kulturelt signifikante vestlige og østlige symboler som et uttrykk for innvandreropplevelsen, ved å sette dem sammen i sitt arbeid. Hans monumental diptych Våre guder
(2000), i samlingen av Kunstgalleriet i New South Wales, bringer sammen representasjoner av lidelsen Kristus og den leende Buddha. Mer enn bare plassert ved siden av hverandre, er de to portrettene sammensatt - ved hjelp av montasje og digital manipulering - med 22.500 små, gjentatte bilder av den andre, som piksler. I et tidligere arbeid,
My Other Lives (1 ), brukte Liu fotografier fra hans omfattende samling av vintage australske familiealbum. Kunstneren satte digitalt inn ansiktet sitt i stereografiske bilder av australske familier fra århundreskiftet. Liu forsøker å gi synlighet til en ofte oversett historie om asiatiske identiteter innen oppbyggingen av australsk kultur, samt å ta opp forestillinger om forskyvning, migrasjon og identitet. Liu Xiao Xian: Fra øst til vest. 7-12 september 2009, RMIT Gallery, installasjonsvisning. Foto: Mark Ashkanasy | Hilsen av RMIT Gallery, Melbourne Pat Brassington Arbeider i fotografi og digitale medier, Pat Brassington (f. 1942) trekker påvirkninger fra surrealisme, delver i den uhyggelige og provoserende effekten som tvetydighet har på tolkning. Hennes arbeid utfolder seg i bilder som minner om blekkblokkene til en Rorschach-test, og åpner opp til de endeløse mulighetene for våre indre psykologiske tilstander relatert til fortellinger om sex, minne og identitet. Brassingtons drømmende bilder kombinerer analog og digital, fortid og nåtid, skaper en tvetydig, til tider abstrakt (sur) virkelighet. I hennes tidlige arbeid brukte hun svart og hvit film for å fange poetiske, mørke bilder av nakender i nærheten av døråpninger og andre verk. På 1990-tallet sprang Brassington vekk fra det mer tradisjonelle mediumet og begynte å omfavne digital manipulasjon. Evnen til å demontere, dekonstruere og gjenoppbygge bilder ga vekk sin ubegrensede fantasi og tillot henne å forfølge hennes langvarige interesse i rommet mellom virkelighet og fantasi. Kunstneren bruker funnet fotografier eller eksisterende fra sin egen personlige samling, kombinere dem med "utenlandske elementer". Forstyrrende bilder av gagged munn, som i Glem det perfekte (2008), forvirrede lår og genitalia-lignende elementer - som i hennes serie
I Mors Mors
Hus (1994) - er bare noen få av de mange har produsert.
Pat Brassington, Shadow Boxer, 2013, pigmentutskrift, utgave av 8, 72 x 50 cm | Hilsen kunstneren og ARC ONE Gallery Peta Clancy Peta Clancy (f. 1970) utforsker temaer om transience, temporalitet, mutability og kroppens kroppslige og subjektive grenser. Hennes fotografiske praksis går bort fra de todimensjonale begrensningene for å omfavne fotografiens utvidede felt, med intervensjoner som piercing, crumpling, krølling og embedding av det i voks, samt å produsere installasjonsstykker som
Denne huden jeg er i
(2002) - med bilder trykt på stoffputer. Hennes serie Hun bærer det som et kart på hennes hud (2005-2006), som tar opp en bekymring for hud, dødelighet og aldring, består av bilder av kvinnens øyne og lepper punktert med en fin sølvnål for å skape en blonderlignende effekt . Clancy sier at "Skin ikke har røtter, det skreller seg lett som papir," (PDF-nedlasting) og "overflaten av huden og fotografiet er sentrale" i arbeidet hennes. Realiseringen av menneskets kroppssårbarhet og sårbarhet og hvordan den kan forandres så raskt er kjernen i en annen serie,
papirtynn (2007), hvor papiret også er representativt for menneskets hud - kunstneren Ikke bare punkterer det, men crumples det, som om å representere rynket hud. Venter på støv til å bosette (2000-2005) fanger forbigående tid og "minuttrester i vårt hverdag" med bilder av spor og skygger etterlatt av gjenstander når de er fjernet fra deres sted. Forstørrede fragmenter av støv og død hud tyder på dødelighet og støvet som kroppen kommer fra, og som den kommer til å returnere. Peta Clancy, Hun bærer alt som et kart på hennes hud 1, fra serien 'Puncture' 2015, Type-C Fotografisk utskrift, 53 x 80 cm | Hilsen til kunstneren Trent Parke Magnum fotograf Trent Parke (f. 1971) er inspirert av sin hverdagserfaring og arbeider primært med fotografering av gater. I 2003 reiste Parke nesten 90 000 km rundt Australia med sin kone og fotograf, Narelle Autio. Resultatet var minutter til midnatt, en samling bilder fra reisen som tilbyr et forstyrrende portrett av tjueførste århundre Australia, fra den uttørrede outbacken til det kaotiske livet i fjerne aboriginale byer. I 2007 begynte Parke på en indre reise, for å utforske sitt eget liv og fortid - som han sier, "å utgrave mine egne historier." I syv år jobbet han med The Black Rose Diaries, vist på Kunstgalleriet i Sør-Australia i 2015. Serien startet da Parke reflekterte på en natt da han 12 år gammel så han sin mors død fra et astmaanfall. Fra det tidspunktet stenge kunstneren alle minner fra barndommen sin, til han konfronterte problemene og begynte å skape en arbeidsgruppe rundt den. Omfatter fotografier, bokstaver og tekster, ser serien ikke bare Parke livets fortid og nutid, men stiller også universelle spørsmål om vår eksistens. Avledet av sine daglige erfaringer og refleksjoner over livet, er arbeidet en meditasjon på livets reiser og hvordan nåtid, fortid og fremtid er sammenhengende.
Trent Parke | © Jaaziel / Flickr, 2008
Petrina Hicks
Petrina Hicks (f. 1972) benytter "det forførende og glossy språk" av kommersiell fotografering - hennes faglige bakgrunn - for å engasjere seg i spørsmål om skjønnhet og perfeksjon, samtidig som man utforsker Fotograferings evne til å skape og korrupte prosesser for forbruk og forførelse. Hennes bilder har tilsynelatende feilfrie emner, sammen med "fremmede", uhyggelige elementer som forvirrer seeren - peker på spenningen mellom skjønnhet og ufullkommenhet. I Shenae og Jade (2005) holder en ung modell en bukie ved hodet i munnen - en usannsynlig, ukonvensjonell kombinasjon som kaster det perfeksjonistiske motebutikket av balanse. Hicks utforsker ofte kvinnelig identitet, refererer til mytologi og kunsthistorie, og knytter dem til samtidskunstkultur. Dette er tydelig i
Hippy og Snake
(2011), en serie bestående av en video og storskala fotografier som subtilt refererte Eva og slangen i en re-imagined Garden of Eden. I
Venus og Fødsel av Venus peker hun på en mytologisk gudinne og annen kvinnelig symbolikk, samtidig som den ekkoet til flere samtidige oppfatninger av feminisme og seksualisert mannlig blikk. (PDF-nedlasting) Andre verker refererer til det symbiotiske forholdet mellom menneske og dyr, for eksempel Lambswool eller Rosemary's Baby (2008). Petrina Hicks, Shenae og Jade, 2005, fra serien Untitled 2005, lightjet print | Hilsen kunstneren og Michael Reid Gallery Sonia Payes Fotografen og den nye mediekunstneren Sonia Payes (f. 1956) har de siste årene spilt seg mot det surrealistiske, og skaper haunting, flerlagsbilder der elementene er omvendt, skjult og forlot usynlig. Gjennom hennes fotografiske praksis og hennes nye multimedia animasjoner og tredimensjonale installasjoner, utforsker Payes temaer for miljøvern, apokalypse og fornyelse av vår fremtid. Kunstneren fikk oppmerksomhet med sine fotografiske essays på 60 australske kunstnere i
UNTITLED.
Portretter av australske kunstnere
, utgitt av Macmillan i 2007. I 2012 foretok Payes et residens med Australia China Art Foundation på landsbygda Beijing, som kulminerte i produksjonen av serien Interzone , som ble vist på Fehily Contemporary i 2013. Under hennes tid i Beijing ble Payes nedsenket i det harde miljøet i Kinas raske byutviklingsland, ble raskt erstattet av steinbrudd og sement. Kunstneren var vitne til betydelige endringer, ikke bare i landskapet og miljøet, men også i menneskelige relasjoner. Gjennom hennes serie ga Payes en sosial kommentar, så vel som reflektert over de nye menneskelige miljøforholdene forårsaket av Kinas enorme industrialisering. 'Re-generasjon' (2014) utforsket Payes praksis gjennom en rekke arbeider, inkludert Earth Warriors og Ice Warriors - presentert som "guider" for å lede menneskeheten i sin søken for å finne nye løsninger på nedbrytningen påført vårt miljø. Andre serier illustrerer og reflekterer over menneskets motstandskraft og dens evne til uendelig å forandre seg og tilpasse seg jordens foranderlige miljø. Sonia Payes, Vannkrigere, fra Warrior Series 1, 2014, Type C-utgave, utgave av 5, 56 x 196 cm | Hils kunstneren
